Pleyel and Chopin – プレイエルで弾くショパン

クラシカル・プレイヤーズ東京の演奏会に行った。会場は池袋の東京芸術劇場で、2階中央5列目に座った。有田正広が主宰する古楽器バンドにとってこのホールはやや大き過ぎなので、2・3階席の一部は残響管理も兼ねて空席で演奏すると案内されていたが、2階はすべて埋まっているように見えた。予想以上に売れたとしたら、その理由は明らかだ。

前半はヴィヴァルディの「四季」から夏、モーツァルトの「フィガロ」序曲とト短調交響曲の第1楽章という構成だったが、どうもオケがうまく機能していない。音が悪いし、まるでアマチュアのオケを聴く感じだ。その原因を考えてみた。
1. ピリオド楽器が良くない。
2. ピリオド楽器の演奏習熟度が低い。
3. 根本的な技術不足。
会場の問題も考えたが、弱音部で問題なく音は通っているので、ことさら演奏に影響があるとは思えない。演奏で特に気になったのがフレージングと言うか、メロディーラインを丁寧にしっかり弾かず、速いパッセージなど雑に転がす傾向が目立つ。これは上記2か3に該当しそう。楽団員をざっと見渡してみると、総じて若い。前田りり子さんなんか貫禄ある感じだが、彼女だって若い。ものすごく幼い感じの第2Vn奏者もいる。なにしろ演奏前のチューニングですら既にあちこちでピッチが微妙に怪しく聞こえたくらいだから、不協和音の緊張も含めて響きを楽しむところまで達していないのかと勘ぐった。

それでもこの演奏会が極めて満足度の高いコンサートだったのは、当日の目玉、仲道郁代が有田所有の1841年製プレイエルで弾くショパンのピアノ協奏曲第1番がすごく良かったからだ。仲道は力むことなくポーランド風のリズムの揺れも自在な演奏で、オケも特に第2楽章の出来が良かった。おそらく彼女はショパン時代の楽器と出会うことで、自分の演奏スタイルに飛躍的な開眼があったのかも知れない。故温新知、いろんな意味で刺激的な楽器だ。
演奏スタイルについては、当時の伝統に則って独奏に呼応する部分はオケも各パートをソロで演奏すると案内役の朝岡聡が解説していたが、当時の300名規模のサロンで活きた効果をこんな10倍も広いホールでそのまま教条的に実践をするのは違うんじゃないかと僕は思った。その意図のおもしろさを感じることはできても、現に弦のパートがやや弱い。演奏行為はその場の諸条件を汲んで、それまでとは違う新たな再構築を行う作業だから、日々前進あるのみだ。その日の午後、演奏会前にこの曲の録音を完了して、12月にCD発売すると言っていたから、むしろそちらの仕上がりが大きな楽しみだ。


I went to the concert of Classical Players Tokyo at Tokyo Metropolitan Art Theater. My seat was in the 5th row on the second floor. The size of this hall was apparently excessive for the ensemble of period instruments led by Hiroaki Arita, and some rows in the far end of second and third floors were supposed to be kept vacant for controlling the acoustic balance, but the second floor actually looked full. They probably decided to sell more seats because of higher demand than expected.

The first part of the program consisted of Summer from Vivaldi’s “Four Seasons”, the overture of “Figaro” and the first movement of Mozart’s G-minor symphony, but it sounded to me the orchestra was not functioning properly as if an amateur band. I considered the possible reasons why.

1. The period instruments are not good enough.
2. The players are not well trained to play the period instruments.
3. The fundamental limitation of skills
As for the size of the hall, I could hear the soft passages enough, and I didn’t think it caused them some difficulty in particular. Something that annoyed me the most was the ensemble’s phrasing in which they tended to be loose in playing the melodies steady and accurate but slippery in fast passages. It could be a possible cause of the above item 2 or 3. Overlooking the players, they were generally young. Among them, Ms Ririko Maeda, the flutist looked dignified in presence, but even she is still young. One of second violinists appeared to be a junior indeed. I noted in the tuning before playing there were some subtle chaotic adjustments here and there in the pitch, and I suspected that their level might have not reached the state to fully enjoy the harmony and even including the stress of discords in music.

Nonetheless, this concert was exceptionally satisfactory because the main feature, Ikuyo Nakamichi to play Chopin’s Piano Concerto No. 1 over a Pleyel built in 1841 that Arita owned, was so successful. I think the encounter with this authentic instrument of Chopin’s epoch was truly the eye-opener for Ms. Nakamichi in understanding how the composer constructed the music. It is why Pleyel is so exciting.
As for the style of playing concerto, it was explained that they followed the tradition of those days to accompany the piano with solo instruments where the piano and the orchestra play together, but I thought that such a direct practice might be a risky (and often dogmatic) approach to take in a completely different premise like this from 19th century’s salle for some 300 audience, while I appreciate the intent to realize the interesting contrast in music. The strings were in fact a bit too weak in balance. They had finished the recording of this concerto earlier on the day, and I look forward to the release of CD in December with a greater hope.